Una investigación pionera en su género, el Proyecto Tate-AXA sobre Pinturas del Arte Moderno, se ha completado finalmente después de tres años de trabajos, con unos resultados que ofrecen una importante información acerca de las propiedades de las pinturas realizadas a base de acrílicos, unos datos que van a ser de gran interés tanto para artistas como para comisarios y conservadores.
Este proyecto ha dado lugar al mayor estudio nunca realizado sobre el comportamiento de este tipo de pinturas en todas los lugares del mundo, algo que ayudará a conservar un buen numero de obras de arte moderno y servirá de punto de partida para otras investigaciones relativas a este sistema de pintura.
Ampliamente utilizadas
Desde principios de los 60, las pinturas de emulsión acrílica han sido ampliamente utilizadas por los artistas, representando aproximadamente el 50% de las ventas de cuadros en los últimos 30 años. Son también el medio más común para la imprimación de telas modernas. Esa es la principal razón de que la necesidad de estudiar en detalle los posibles problemas de conservación que afecten a este tipo de pinturas se haya convertido en algo casi acuciante, especialmente teniendo en cuenta que los primeros trabajos realizados en acrílico empiezan a tener una edad cercana a los 50 años.
A pesar de la cada vez más frecuente aparición de este tipo de pinturas en todas las colecciones importantes de arte actual, los conservadores no habían tenido prácticamente acceso a información sobre cómo estas pinturas pueden alterarse con el tiempo o cómo se pueden ver afectadas por los tratamientos de conservación, especialmente la limpieza de superficies.
Hallazgo clave
Un hallazgo clave del proyecto ha estado en el examen de los surfactantes o agentes tensoactivos, una especie de detergente que estabiliza la pintura cuando está mojada, pero que cuando seca puede trasladarse a la superficie y producir un tono grisáceo, atrayendo la suciedad y el polvo. Aunque los tratamientos de limpieza a base de agua parecen eliminar este problema y no tener un efecto perjudicial a largo plazo, sólo el desarrollo de una estrategia para monitorear y evaluar el proceso de migración de esta sustancia a la superficie de la pintura será capaz de proteger un buen número de obras modernas.
Como apéndice de utilidad para todos los interesados e implicados en este problema, el estudio ofrece un resumen de consejos prácticos:
Lo que SÍ podemos hacer
- Si no está seguro acerca de cualquier aspecto del cuidado de sus pinturas acrílicas -almacenamiento, presentación, medio ambiente, transporte, polvo y limpieza, etc.- consulte a un especialista conservador.
- Recuerde que las pinturas realizadas con acrílicos son más delicadas que las demás pinturas y por lo tanto más vulnerables a daños en la superficie, al calor de la iluminación, a la acumulación de suciedad y a los materiales con que se trata su superficie.
- Trate de mantener el medio ambiente (almacenamiento, exhibición, transporte) lo más estable posible, idealmente dentro de los extremos de 15-25 °C y con una humedad relativa entre el 40 y el 60%. También tenga en cuenta que los cambios bruscos de temperatura y humedad relativa pueden ser tan perjudiciales como someterlas a valores extremos.
Lo que NO debemos hacer
- Usar paños mojados o impregnados para quitar el polvo de la pintura, ya que debido a la debilidad de las superficies podemos provocar en ellas daños irreversibles.
- Aplicar ningún sistema de limpieza o protección de superficies domésticos, ya que pueden provocar daños permanentes.
- Manejar las pinturas en acrílico sin enmarcar con las manos desnudas. Use siempre unos guantes de algodón o látex, incluso de una piel suave, para mantener cualquier contacto con la superficie de la pintura, aunque éste sea mínimo.
lunes, 2 de noviembre de 2009
jueves, 22 de octubre de 2009
jueves, 15 de octubre de 2009
Técnicas para hacer Murales
1. Fresco
Es una técnica primitiva que ha sido utilizada por muchos artistas destacados a través de la historia, Miguel Angel en su gran obra de la Capilla Sixtina y en nuestra época el gran artista mexicano Diego Rivera.
Está hecha a base de tierra de color molida y mezclada con agua pura , esto a su vez se aplica sobre una mezcla de cal y arena, para luego ser aplicada con pinceles blandos.
El muro debe estar previamente preparado y humedecido, las dificultades que tiene es que el artista debe cubrir el área preparada antes que se seque, mientras todavía está fresco , lo que precisa una rapidez y seguridad en la ejecución.
2. Vitral
Es una membrana plana formada por vidrios transparentes o translúcidos, estructurados por una retícula del varillas de metal como el plomo, que rodean cada trozo de lámina de vidrio.
El proceso de creación plástica del vitral se desarrollan principalmente en la posibilidad y capacidad de pensar e imaginar como se reflejara la luz en el vidrio y traducirlo en una expresión gráfica exacta, con una valoración cromática y tonal simbólica, esto se logra en la práctica mediante sucesivos bosquejos.
La técnica tradicional del vidrio montado en plomo, contempla tres dibujos, uno definitivo a escala reducida y coloreado, otro a escala natural , dibujando el espesor del plomo y el tamaño exacto del vidrio, este se recorta para usarlo como base para cortar el vidrio y por ultimo se hace un dibujo al natural, similar al anterior el cuál se conservará como guía durante todo el trabajo.
El color es la característica primordial de esta técnica, la sensación de dinamismo en general es producido por los cambios que origina la luz al traspasar los vidrios, que estan tallados especialmente para producir tonos múltiples y grandes destellos que van cambiando según las horas del día.
3. Temple
Literalmente es cualquier sustancia utilizada para aglutinar un pigmento.
Específicamente la más conocida es al huevo es decir, se prepara de una mezcla en partes casi iguales de yema de huevo fresco con agua, ojalá destilada, pues se seca más rápido y es más seguro ; tambien se puede mezclar con aceite o cera.
Todo esto es el aglutinante que se añade al pigmento, en lo posible sobre una placa de vidrio o papel, una vez mezclada la pintura debe usarse inmediatamente, pues su secado es rápido y una vez seco la pintura ya no sirve.
Es una técnica que se aplica por capas y lavados neutros y fríos sobre la base, uno sobre otro hasta lograr las tonalidades que se requieren, resultando una superficie suave y muy fina y no se oscurece con el tiempo.
4. Mosaico
Es una técnica que utiliza materiales como vidrio , cerámica, piedras, yuxtapuestos en forma homogénea y con colores de acuerdo a la composición, además, podemos distinguir varios tipos de mosaicos, que dependen de la forma de cortarlos y colocarlos.
En el mosaico tradicional , se unen los trozos por el revés con un pegamento sobre un papel especial, ejecutándose la composición en forma invertida, luego se lleva terminado al muro y se fija con una mezcla de cemento y arena
Los artistas mesopotámicos les gustaba combinar piedras encarnadas o azules con nácar , conchas, huesos y betún ; recortaban siluetas de personas o animales de nácar y los contornos los completaban con líneas grabadas o rellenas de pasta, estas siluetas eran pegadas con un betún y se las rodeaba de lapislázuli.
5. Acrílico
Es una pintura compuesta por pigmento mezclado con resina sintética.
Se comienza a utilizar alrededor de los años 20 , por los pintores muralistas mexicanos, como Siqueiros, Orozco y Rivera, luego de que querían pintar muros exteriores de grandes dimensiones y que los exponía a distintas condiciones climáticas, experimentaron con técnicas como el óleo y el fresco, pero no les resulto practico, pues necesitaban una pintura que secara rápidamente y que permaneciera estable ante los cambios climáticos.
Experimentaron entonces con las llamadas resinas sintéticas como medio aglutinante de los pigmentos, con las debidas adiciones se obtiene un medio soluble en agua, lo que permite diluir los pigmentos con más medio.
La pintura acrílica se seca en cuanto se evapora el agua , además se adhiera en cualquier superficie
Es una técnica primitiva que ha sido utilizada por muchos artistas destacados a través de la historia, Miguel Angel en su gran obra de la Capilla Sixtina y en nuestra época el gran artista mexicano Diego Rivera.
Está hecha a base de tierra de color molida y mezclada con agua pura , esto a su vez se aplica sobre una mezcla de cal y arena, para luego ser aplicada con pinceles blandos.
El muro debe estar previamente preparado y humedecido, las dificultades que tiene es que el artista debe cubrir el área preparada antes que se seque, mientras todavía está fresco , lo que precisa una rapidez y seguridad en la ejecución.
2. Vitral
Es una membrana plana formada por vidrios transparentes o translúcidos, estructurados por una retícula del varillas de metal como el plomo, que rodean cada trozo de lámina de vidrio.
El proceso de creación plástica del vitral se desarrollan principalmente en la posibilidad y capacidad de pensar e imaginar como se reflejara la luz en el vidrio y traducirlo en una expresión gráfica exacta, con una valoración cromática y tonal simbólica, esto se logra en la práctica mediante sucesivos bosquejos.
La técnica tradicional del vidrio montado en plomo, contempla tres dibujos, uno definitivo a escala reducida y coloreado, otro a escala natural , dibujando el espesor del plomo y el tamaño exacto del vidrio, este se recorta para usarlo como base para cortar el vidrio y por ultimo se hace un dibujo al natural, similar al anterior el cuál se conservará como guía durante todo el trabajo.
El color es la característica primordial de esta técnica, la sensación de dinamismo en general es producido por los cambios que origina la luz al traspasar los vidrios, que estan tallados especialmente para producir tonos múltiples y grandes destellos que van cambiando según las horas del día.
3. Temple
Literalmente es cualquier sustancia utilizada para aglutinar un pigmento.
Específicamente la más conocida es al huevo es decir, se prepara de una mezcla en partes casi iguales de yema de huevo fresco con agua, ojalá destilada, pues se seca más rápido y es más seguro ; tambien se puede mezclar con aceite o cera.
Todo esto es el aglutinante que se añade al pigmento, en lo posible sobre una placa de vidrio o papel, una vez mezclada la pintura debe usarse inmediatamente, pues su secado es rápido y una vez seco la pintura ya no sirve.
Es una técnica que se aplica por capas y lavados neutros y fríos sobre la base, uno sobre otro hasta lograr las tonalidades que se requieren, resultando una superficie suave y muy fina y no se oscurece con el tiempo.
4. Mosaico
Es una técnica que utiliza materiales como vidrio , cerámica, piedras, yuxtapuestos en forma homogénea y con colores de acuerdo a la composición, además, podemos distinguir varios tipos de mosaicos, que dependen de la forma de cortarlos y colocarlos.
En el mosaico tradicional , se unen los trozos por el revés con un pegamento sobre un papel especial, ejecutándose la composición en forma invertida, luego se lleva terminado al muro y se fija con una mezcla de cemento y arena
Los artistas mesopotámicos les gustaba combinar piedras encarnadas o azules con nácar , conchas, huesos y betún ; recortaban siluetas de personas o animales de nácar y los contornos los completaban con líneas grabadas o rellenas de pasta, estas siluetas eran pegadas con un betún y se las rodeaba de lapislázuli.
5. Acrílico
Es una pintura compuesta por pigmento mezclado con resina sintética.
Se comienza a utilizar alrededor de los años 20 , por los pintores muralistas mexicanos, como Siqueiros, Orozco y Rivera, luego de que querían pintar muros exteriores de grandes dimensiones y que los exponía a distintas condiciones climáticas, experimentaron con técnicas como el óleo y el fresco, pero no les resulto practico, pues necesitaban una pintura que secara rápidamente y que permaneciera estable ante los cambios climáticos.
Experimentaron entonces con las llamadas resinas sintéticas como medio aglutinante de los pigmentos, con las debidas adiciones se obtiene un medio soluble en agua, lo que permite diluir los pigmentos con más medio.
La pintura acrílica se seca en cuanto se evapora el agua , además se adhiera en cualquier superficie
jueves, 8 de octubre de 2009
Heroínas de la tinta china
Tocaron el cielo exponiendo y vendiendo sus dibujos en ArteBA 2009. Solas, o en grupo, bucean por el universo “arty” dando a conocer sus obras.Sobreviven a los golpes que en esta ciudad suelen darse los artistas jóvenes. Julia Dron y Maite Doeswijk son dos heroínas que luego de un “Plop!” o un “Crash!”, la siguen luchando, mostrando sus dibujos aquí y allá.
Promediando el año, se unen en “Rayos, centellas y tinta china”, una exposición de sólo tres días, que se inaugura el viernes 2 de octubre -a las 19- en la Residencia Corazón, de diagonal 77 entre 3 y 48.
Otro súper amigo se sumará al evento de apertura: Saturno (Sebastián Rulli), que le pondrá música a la velada. Julia y Maite son amigas desde antes de cruzarse en la facultad de Bellas Artes, donde ambas estudiaron para graduarse de licenciadas en Artes Plásticas, con Orientación Grabado (a Maite le quedan algunas materias, y además es periodista y música).
Sus vidas artísticas se cruzaron en muestras colectivas y en dos revistas-objeto literarias: “Tónico” y Libro casete”, y se proyecta en el taller de pintura “Gris topo”, que dictan juntas.
Son dos de las fundadoras del grupo Corazones de Bully, un colectivo de artistas jóvenes que este año participó en ArteBA, con muy buena repercusión entre público y colegas. Allí, ambas vendieron varios de sus dibujos. Y aquellos que quedaron de esa muestra son los que reunirán en ésta que montarán en Corazón, para compartirlos en su ciudad, con su gente; de una manera más íntima.
Dron comenta que “teníamos ganas de personalizar estos dibujos, dado que en ArteBa se expusieron en forma más masiva.
Decidimos hacerlo juntas porque si bien los de Maite son abstractos y los míos figurativos, todos tienen una misma línea; hay una similitud técnica y también en el formato, la paleta y los juegos de transparencia… además, las dos dibujamos con tinta china”.
En palabras de otra artista, Mariela Gómez Erro, las imágenes y objetos que integran la muestra de Dron y Doeswijk son “originales, expresivas, misteriosas, sorpresivas, iluminadas, transparentes.
Ambas artistas realizan un movimiento dentro de cada imagen y fuera de ella, creando espacios vacíos y espacios llenos.
La observación, como una persecución, busca rastros, pistas, colores, como en una gran escritura espacial. Los rayos y las centellas nos alumbran el camino pero no sólo desde el cielo, iluminan a cada uno de estos trabajos artísticos, y predicen que vendrán tiempos mejores”.
sábado, 26 de septiembre de 2009
El esplendor del Imperio Romano revive a través de la pintura
Roma recuerda desde hoy el esplendor que la pintura alcanzó durante la época de los Césares, y cuyas obras más representativas se han perdido, a través de una exposición en las escuderías del Palacio del Quirinal donde han logrado reunir piezas provenientes de todos los rincones del Imperio.En la presentación de la exposición, cuyo título es «Roma.
La pintura de un Imperio», los organizadores han pedido a los visitantes un esfuerzo de imaginación: que pensaran en un mundo en el que los cuadros de Rafael, Botticelli, Velázquez, Rembrandt o Goya se hubieran perdido, y sus nombres sólo se conocieran por las crónicas de la época.
Esa es exactamente lo que hoy ocurre con otro período de gloria del arte pictórico: el que va desde el período clásico griego, con artistas como Apeles y Polignoto de Tasos, hasta el Imperio romano, donde destacaron pintores como Studius (o Ludius) y Fabullus (o Famulus).
«Una gloria absolutamente incógnita», en palabras de Antonio Paolucci, director científico de exposiciones de las Escuderías del Quirinal, el museo romano en el que se exhibe.
La voluntad de «reconstruir» de alguna manera este legado perdido ha impulsado al arqueólogo italiano Eugenio La Rocca a traer a Roma cien obras provenientes de París, Londres, Moscú, Edimburgo, Fráncfort, Nápoles y Zúrich, y que se encuentran entre las más representativas y mejor conservadas de la pintura romana.
La Rocca aseguró que la intención de la muestra es «dar una idea a la gente» de lo que fue la gran pintura romana «a través de lo poco que queda de ella», y sobre todo de la pintura parietal, es decir, los frescos encontrados en el interior de casas y palacios romanos.
Se exhiben así obras claves de los cuatro estilos pompeyanos, desde las llamadas «Bodas Aldobrandinas», conservadas en los Museos Vaticanos, al «Hércules y Telefo» de la Basílica de Herculano, así como parte de la decoración de la Villa de la Farnesina, en Roma.
Pero los organizadores han querido dar una visión más amplia de la pintura en el Imperio Romano, fuera de los cuatro estilos.
El cénit de la gloria romanaPara ello han confrontado estas obras, que representan el cénit de la gloria de la Ciudad Eterna y de la península itálica, con piezas más tardías y provenientes de las provincias.
Así, se trata de la primera vez en que pueden verse juntos los retratos surgidos de los talleres de la metrópoli, como los que pueden encontrarse en Pompeya y Herculano, y los famosos retratos sobre tabla de El Fayum (Egipto).
En este sentido, La Rocca destacó la gran similitud entre ambos, a pesar de que los separen varios siglos y miles de kilómetros: «Los retratos se hacían como los romanos y los retratados querían aparecer como romanos».
Los retratos romanos buscaban una imagen «fisiológica», señaló el arqueólogo, en contraposición a los retratos «tipológicoS» de los griegos, quienes plasmaban cuadros de poetas, de filósofos, de políticos y demás, por lo que se encuentran grandes parecidos entre los miembros pertenecientes al mismo gremio.
Algo que contrasta también con las propias pinturas parietales, con las que se pretendía recrear, en el interior de las casas, paisajes «irreales, soñados, incluso a veces surrealistas» para el deleite de su propietario, cansado de los problemas de la política o el comercio.
«Una gloria absolutamente incógnita», en palabras de Antonio Paolucci, director científico de exposiciones de las Escuderías del Quirinal, el museo romano en el que se exhibe.
La voluntad de «reconstruir» de alguna manera este legado perdido ha impulsado al arqueólogo italiano Eugenio La Rocca a traer a Roma cien obras provenientes de París, Londres, Moscú, Edimburgo, Fráncfort, Nápoles y Zúrich, y que se encuentran entre las más representativas y mejor conservadas de la pintura romana.
La Rocca aseguró que la intención de la muestra es «dar una idea a la gente» de lo que fue la gran pintura romana «a través de lo poco que queda de ella», y sobre todo de la pintura parietal, es decir, los frescos encontrados en el interior de casas y palacios romanos.
Se exhiben así obras claves de los cuatro estilos pompeyanos, desde las llamadas «Bodas Aldobrandinas», conservadas en los Museos Vaticanos, al «Hércules y Telefo» de la Basílica de Herculano, así como parte de la decoración de la Villa de la Farnesina, en Roma.
Pero los organizadores han querido dar una visión más amplia de la pintura en el Imperio Romano, fuera de los cuatro estilos.
El cénit de la gloria romanaPara ello han confrontado estas obras, que representan el cénit de la gloria de la Ciudad Eterna y de la península itálica, con piezas más tardías y provenientes de las provincias.
Así, se trata de la primera vez en que pueden verse juntos los retratos surgidos de los talleres de la metrópoli, como los que pueden encontrarse en Pompeya y Herculano, y los famosos retratos sobre tabla de El Fayum (Egipto).
En este sentido, La Rocca destacó la gran similitud entre ambos, a pesar de que los separen varios siglos y miles de kilómetros: «Los retratos se hacían como los romanos y los retratados querían aparecer como romanos».
Los retratos romanos buscaban una imagen «fisiológica», señaló el arqueólogo, en contraposición a los retratos «tipológicoS» de los griegos, quienes plasmaban cuadros de poetas, de filósofos, de políticos y demás, por lo que se encuentran grandes parecidos entre los miembros pertenecientes al mismo gremio.
Algo que contrasta también con las propias pinturas parietales, con las que se pretendía recrear, en el interior de las casas, paisajes «irreales, soñados, incluso a veces surrealistas» para el deleite de su propietario, cansado de los problemas de la política o el comercio.
«Figuras creadas a partir del aire que parecen fluctuar en el vacío», sujetos mitológicos y paisajes oníricos que recuerdan, según La Rocca, a grandes maestros muy posteriores.
Y en concreto, el experto citó a dos pintores españoles: Goya, por su uso del sueño y lo onírico, y Francisco de Zurbarán, por sus fondos negros. Agregó que estos artistas dan la impresión de haber tenido contacto con las pinturas romanas, «no se sabe cómo».
Y en concreto, el experto citó a dos pintores españoles: Goya, por su uso del sueño y lo onírico, y Francisco de Zurbarán, por sus fondos negros. Agregó que estos artistas dan la impresión de haber tenido contacto con las pinturas romanas, «no se sabe cómo».
Precisamente el llamar la atención del público sobre esta continuidad de la pintura de la Antigüedad en el arte moderno es otro de los objetivos de la exposición, ya que, para Paolucci, se trata de «un universo perdido que atraviesa la cultura de Occidente como un río subterráneo que emerge de cuando en cuando».
lunes, 21 de septiembre de 2009
Murales
Habitaciones para niños:Los Murales para los cuartos de los niños son únicos y adaptados a sus necesidades. Creamos diseños exclusivos con composiciones principales y detalles adicionales a fin de dar un toque especial a cada pared.
Accesorios decorativos:
A juego con la cinta y edredones, tales como:
repisas, lámparas, baules, percheros, copetes de cama, logos para el nombre, cestas y papeleras.Pintura de paredes, puertas y closets: Creamos efectos a pistola y aerógrafo para complementar la decoración.
miércoles, 16 de septiembre de 2009
Cartas de Colores de Pinturas
Colores de Pintura para PiscinasCartas de Colores, Pintar en Exteriores
Generalmente el color de las piscinas es azul o celeste, pero esto no quita la posibilidad de que otras tonalidades sean las escogidas. La siguiente es una carta de colores con los nombres que comúnmente se utilizan para las pinturas espaciales para piscinas, como cloro-caucho o epoxi, aunque no todos los fabricantes les asignen el mismo. Ademas muchos de ellos no poseen una gran paleta de colores y llegan a producir solo un color.
1) Azul oscuro, Pacifico2) Azul Royal, Azul medio
3) Celeste, Azul cielo
4) Celeste claro
5) Negro
5) Negro
6) Pizarra, Gris oscuro
7) Granito
8) Niebla
9) Jade, Verde agua
9) Jade, Verde agua
10) Arena
11) Beige, Gardenia
12) Ocre, Coral¿Por que se utiliza el azul o celeste con mayor frecuencia?Las causas son varias, ademas de que el color azul posee una sensación de limpieza, profundidad, frescura...
Lo cierto es que dentro del espectro de la luz, el color que menos se desvanece ante la profundidad es el azul, en grandes profundidades el último color en desaparecer al ingresar al gua es éste, antes que el rojo o el verde por ejemplo, esto es una explicación de por qué los mares son azules. Al reflejarse mayor cantidad de luz desde el fondo de la piscina al rebotar los mismos rayos azules, el agua se ve mas pura y cristalina.
Las desventajas de otros colores
El verde podría ser otro color muy bello en la aplicación, aunque puede ocultar algas que crezcan, contaminando el agua.
El negro crea un efecto de espejo, reflejando el cielo y el exterior, por ello dificulta ver la profundidad y si se encuentran objetos o personas debajo de la superficie.
El blanco pode producir deslumbramiento, ademas de calentar el agua a mayor temperatura.
jueves, 3 de septiembre de 2009
la vista y los colores
Las diversas longitudes de onda de la luz son percibidas por medio de los órganos receptores que hay en el ojo, las interconexiones nerviosas y las señales que estas transmiten a través del nervio óptico. Por último, es en el cerebro donde se efectúa el proceso integrador de la imagen captada. Se entiende por órganos receptores los elementos que hay en la retina sensibles a la luz y los pigmentos visuales -continuamente deshechos por la luz y vueltos a formar- que sensibilizan a aquellos elementos.
Las interconexiones nerviosas se hallan en la misma retina, y los impulsos que pueden originar incluyen señales "interruptoras".
Las vías ópticas transmiten el mensaje sensorial de la retina al cerebro. Se hallan representadas, de delante a atrás, por la retina, el nervio óptico, la quiasma, y están constituidas por los receptores (conos y bastones) y por tres células nerviosas (neuronas). Al parecer, los conos se comportan como lo hacen las células fotoeléctricas, transformando la luz en electricidad, siendo las diferencias de intensidad eléctrica correspondientes a cada uno de los colores las que permiten su identificación y, en definitiva, la visión de los colores. Se supone que solo los conos contribuyen a la visión de los colores. El hecho de que el cerebro participa vitalmente en la percepción visual queda suficientemente demostrado por el aparente carácter unitario de la percepción.
El ojo humano no es capaz de distinguir todos los colores y sus diferentes tonalidades, pero como cada color y cada tonalidad, tiene su propia longitud de onda, con aparatos de gran precisión se pueden notar las diferencias que pasan desapercibidas para la vista más aguda.
Vistos al microscopio, los elementos sensibles a la luz que hay en la retina presentan dos aspectos distintos: conos y bastones.
En la parte central de la retina se hallan solo los conos; en la parte periférica predominan los bastones. Esta diferencia entre los elementos sensibles a la luz coincide con dos mecanismos distintos de la visión; uno, periférico, que actúa cuando hay poca luz, sin distinguir los colores; y otro, central, que si la luz es suficientemente intensa distingue las formas y los colores.
Daltonismo: Existe una anomalía de la vista consistente en no distinguir los colores. Recibe el nombre de "daltonismo" en honor al químico inglés John Dalton que, afectado de esta anomalía, hizo sobre sí mismo el primer análisis científico. Es un defecto hereditario transmitido, como la hemofilia, por las mujeres pero que afecta particularmente a los hombres. Se considera que lo presentan entre 8 y 9 de cada 100 hombres. Hay diversos grados de daltonismo. Entre quienes lo padecen, el grupo más numeroso (67%) lo forman los que ven los tres colores básicos pero en proporciones anormales, es decir, unos ven más rojo que en la visión normal, y otros más azul o más amarillo.
Esta anomalía solo tiene importancia para los pintores, careciendo de ella para la vida normal.
Los daltónicos "verdaderos" no perciben más que dos colores primarios en lugar de tres.
Por ejemplo, todos los colores que perciben son compuestos de una mezcla variada de rojo y azul, en lugar de serlo de rojo, azul y amarillo.
El daltonismo más común se manifiesta en dificultad para distinguir el rojo y el verde; con menor frecuencia, la dificultad está en discernir entre el verde y el amarillo o entre el azul y el amarillo. Una tercera clase de daltonismo, muy rara, es la de personas que no perciben color alguno. Solo las variaciones de intensidad luminosa les permite distinguir los objetos, que es como decir que solo distinguen el blanco, el negro y los grises. Como se comprenderá, estos dos grupos que padecen daltonismo intenso no pueden ejercer oficio alguno en el que sea importante distinguir los colores, ni conducir vehículos, al no poder distinguir las señales de tránsito.
El Color De Los Ojos.
Contrariamente a lo que podría parecer, el color de los ojos no afecta a la percepción de los colores y, en cambio, tiene una sorprendente relación con la percepción acústica.
El color de los ojos depende del contenido de melanina en el iris. Las personas con ojos azules, y más aún los albinos - que carecen por completo de melanina- presentan una mayor sensibilidad al ruido.
Las interconexiones nerviosas se hallan en la misma retina, y los impulsos que pueden originar incluyen señales "interruptoras".
Las vías ópticas transmiten el mensaje sensorial de la retina al cerebro. Se hallan representadas, de delante a atrás, por la retina, el nervio óptico, la quiasma, y están constituidas por los receptores (conos y bastones) y por tres células nerviosas (neuronas). Al parecer, los conos se comportan como lo hacen las células fotoeléctricas, transformando la luz en electricidad, siendo las diferencias de intensidad eléctrica correspondientes a cada uno de los colores las que permiten su identificación y, en definitiva, la visión de los colores. Se supone que solo los conos contribuyen a la visión de los colores. El hecho de que el cerebro participa vitalmente en la percepción visual queda suficientemente demostrado por el aparente carácter unitario de la percepción.
El ojo humano no es capaz de distinguir todos los colores y sus diferentes tonalidades, pero como cada color y cada tonalidad, tiene su propia longitud de onda, con aparatos de gran precisión se pueden notar las diferencias que pasan desapercibidas para la vista más aguda.
Vistos al microscopio, los elementos sensibles a la luz que hay en la retina presentan dos aspectos distintos: conos y bastones.
En la parte central de la retina se hallan solo los conos; en la parte periférica predominan los bastones. Esta diferencia entre los elementos sensibles a la luz coincide con dos mecanismos distintos de la visión; uno, periférico, que actúa cuando hay poca luz, sin distinguir los colores; y otro, central, que si la luz es suficientemente intensa distingue las formas y los colores.
Daltonismo: Existe una anomalía de la vista consistente en no distinguir los colores. Recibe el nombre de "daltonismo" en honor al químico inglés John Dalton que, afectado de esta anomalía, hizo sobre sí mismo el primer análisis científico. Es un defecto hereditario transmitido, como la hemofilia, por las mujeres pero que afecta particularmente a los hombres. Se considera que lo presentan entre 8 y 9 de cada 100 hombres. Hay diversos grados de daltonismo. Entre quienes lo padecen, el grupo más numeroso (67%) lo forman los que ven los tres colores básicos pero en proporciones anormales, es decir, unos ven más rojo que en la visión normal, y otros más azul o más amarillo.
Esta anomalía solo tiene importancia para los pintores, careciendo de ella para la vida normal.
Los daltónicos "verdaderos" no perciben más que dos colores primarios en lugar de tres.
Por ejemplo, todos los colores que perciben son compuestos de una mezcla variada de rojo y azul, en lugar de serlo de rojo, azul y amarillo.
El daltonismo más común se manifiesta en dificultad para distinguir el rojo y el verde; con menor frecuencia, la dificultad está en discernir entre el verde y el amarillo o entre el azul y el amarillo. Una tercera clase de daltonismo, muy rara, es la de personas que no perciben color alguno. Solo las variaciones de intensidad luminosa les permite distinguir los objetos, que es como decir que solo distinguen el blanco, el negro y los grises. Como se comprenderá, estos dos grupos que padecen daltonismo intenso no pueden ejercer oficio alguno en el que sea importante distinguir los colores, ni conducir vehículos, al no poder distinguir las señales de tránsito.
El Color De Los Ojos.
Contrariamente a lo que podría parecer, el color de los ojos no afecta a la percepción de los colores y, en cambio, tiene una sorprendente relación con la percepción acústica.
El color de los ojos depende del contenido de melanina en el iris. Las personas con ojos azules, y más aún los albinos - que carecen por completo de melanina- presentan una mayor sensibilidad al ruido.
escala de colores
Los elementos de la escala. La escala de los tintes es la que mejor se conoce por el espectro solar. La claridad y la saturación se dan también en escalas que van desde el grado mínimo de estas propiedades, a su máxima. El mayor numero de matices de gris que el observador corriente puede distinguir en la escala que va del negro al blanco es de doscientos
El numero de tintes advertible en un espectro de colores puros entre los dos extremos de violeta y rojo púrpura es algo menor, es de ciento sesenta. Con respecto a pigmentos, no nos apartamos mucho, si pensamos en ciento cincuenta tintes distinguibles, doscientas graduaciones de valor ( claridad ) y un máximo de veinte graduaciones de saturación, con el nivel de valor mas favorable para cada tinte y con un menor numero de graduaciones en los niveles mas altos y mas bajos de valor.
Color y formaToda apariencia visual es producida por el color y la claridad. Los limites que determinan las formas se siguen de la capacidad que el ojo tiene para distinguir entre áreas de diferente claridad y color.
El color y la forma cumplen las dos funciones mas características del acto visual, transmiten expresión y nos permiten obtener información mediante el reconocimiento de objetos y acontecimientos.
Rorschach descubrió que los caracteres alegres tienden a responder al color, mientras que los deprimidos reaccionan mas a menudo por la forma. Una aplicación literal de la teoría podría llevarnos a la conclusión de que el color produce una experiencia esencialmente emocional, mientras que la forma corresponde al control intelectual. La teoría del color ha sido fuente de inspiración para la construcción de una teoría de la forma que César Jannello llamó Teoría de la Delimitación Espacial.
La teoría de la delimitación espacial y la teoría del color se organizan a partir de una serie de dimensiones: formatriz, saturación y tamaño para la teoría de la delimitación espacial; tinte, cromaticidad y claridad para la teoría del color. De esta serie de dimensiones podemos inferir ocho relaciones de constancia y/o variación que permitirán seleccionar una determinada forma o color dentro de los límites del sistema propuesto. Estas relaciones se conocen como armonías lógicas.
Estas armonías resultan insuficientes en la práctica del diseño para determinar la forma y el color a utilizar. En este caso podemos recurrir a una serie de conceptos, no presentados como teoría pero sí muy difundidos en la práctica del color, que se conocen como claves. Las claves definirían los intervalos existentes entre los colores o las formas seleccionadas. Estos intervalos pueden redefinirse como apomorfismos.
En la teoría del color, para la dimensión de claridad tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados.
Por analogía podemos utilizar este mismo concepto en la teoría de la delimitación espacial, donde para la dimensión de tamaño tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas. Por extensión, en la teoría del color, para la dimensión de cromaticidad tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados. A su vez, en la teoría de la delimitación espacial, para la dimensión saturación tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas. Por último, en la teoría del color, para la dimensión de tinte tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados.
Así también en la teoría de la delimitación espacial, donde para la dimensión de formatriz tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas.
De esta manera, no solo disponemos de ocho armonías lógicas para la práctica del diseño sino también de dieciocho claves posibles para la teoría del color y otro tanto para la teoría de la delimitación espacial.
El numero de tintes advertible en un espectro de colores puros entre los dos extremos de violeta y rojo púrpura es algo menor, es de ciento sesenta. Con respecto a pigmentos, no nos apartamos mucho, si pensamos en ciento cincuenta tintes distinguibles, doscientas graduaciones de valor ( claridad ) y un máximo de veinte graduaciones de saturación, con el nivel de valor mas favorable para cada tinte y con un menor numero de graduaciones en los niveles mas altos y mas bajos de valor.
Color y formaToda apariencia visual es producida por el color y la claridad. Los limites que determinan las formas se siguen de la capacidad que el ojo tiene para distinguir entre áreas de diferente claridad y color.
El color y la forma cumplen las dos funciones mas características del acto visual, transmiten expresión y nos permiten obtener información mediante el reconocimiento de objetos y acontecimientos.
Rorschach descubrió que los caracteres alegres tienden a responder al color, mientras que los deprimidos reaccionan mas a menudo por la forma. Una aplicación literal de la teoría podría llevarnos a la conclusión de que el color produce una experiencia esencialmente emocional, mientras que la forma corresponde al control intelectual. La teoría del color ha sido fuente de inspiración para la construcción de una teoría de la forma que César Jannello llamó Teoría de la Delimitación Espacial.
La teoría de la delimitación espacial y la teoría del color se organizan a partir de una serie de dimensiones: formatriz, saturación y tamaño para la teoría de la delimitación espacial; tinte, cromaticidad y claridad para la teoría del color. De esta serie de dimensiones podemos inferir ocho relaciones de constancia y/o variación que permitirán seleccionar una determinada forma o color dentro de los límites del sistema propuesto. Estas relaciones se conocen como armonías lógicas.
Estas armonías resultan insuficientes en la práctica del diseño para determinar la forma y el color a utilizar. En este caso podemos recurrir a una serie de conceptos, no presentados como teoría pero sí muy difundidos en la práctica del color, que se conocen como claves. Las claves definirían los intervalos existentes entre los colores o las formas seleccionadas. Estos intervalos pueden redefinirse como apomorfismos.
En la teoría del color, para la dimensión de claridad tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados.
Por analogía podemos utilizar este mismo concepto en la teoría de la delimitación espacial, donde para la dimensión de tamaño tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas. Por extensión, en la teoría del color, para la dimensión de cromaticidad tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados. A su vez, en la teoría de la delimitación espacial, para la dimensión saturación tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas. Por último, en la teoría del color, para la dimensión de tinte tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre los colores seleccionados.
Así también en la teoría de la delimitación espacial, donde para la dimensión de formatriz tenemos claves de alto, medio o bajo nivel y claves de mayor o menor intervalo entre las formas seleccionadas.
De esta manera, no solo disponemos de ocho armonías lógicas para la práctica del diseño sino también de dieciocho claves posibles para la teoría del color y otro tanto para la teoría de la delimitación espacial.
Clasificacion de los colores
Colores cálidos: Los colores cálidos en matices claros: cremas y rosas, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo y en los matices oscuros con predominio de rojo, vitalidad, poder, riqueza y estabilidad. Por asociación la luz solar y el fuego al rojo-anaranjado, al amarillo, etc. La distinción entre colores cálidos y colores fríos es bastante corriente. Los términos "cálidos" y "fríos" apenas se refieren a los tintes puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal, sino el color que se desvía ligeramente de él. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. La mezcla de dos colores equilibrados no manifestarían claramente el efecto.
El verde, mezcla de amarillo y azul, se aproximaría más al frío, mientras que las combinaciones del rojo con el azul para dar el púrpura, y con el amarillo, para dar el anaranjado , tenderían a la neutralidad o a la ambigüedad. Parece que el equilibrio entre dos colores que integran una mezcla es sumamente inestable. Puede hacerse fácilmente que uno de ellos predominan sobre el otro.
El observador puede ver en un naranja (anaranjado), un rojo modificado por un amarillo o un amarillo modificado por un rojo. En la primera versión el color resultara frío, en la segunda, cálido. El fenómeno de la asimilación y el contraste, hará que uno de los colores adquiera relieve a expensas del otro. De este modo la inestabilidad de la mezcla se reduce grandemente y por lo tanto su "temperatura" puede definirse con más seguridad. No es tanto el tinte dominante el que produce la cualidad expresiva, como sus aflicciones.
Tal vez los tintes básicos constituyen valores bastante neutros, que se distinguen más bien por su carácter de singularidad y de reciprocidad que por su expresión específica. Y sólo cuando el color produce una atención dinámica al inclinarse hacia el otro color, revela sus características expresivas.
La saturación o croma se refiere a la pureza de un color. Un color complementariamente puro sería producido sólo por una longitud de onda lumínica. Esta condición se advierte más de cerca en los tintes saturados del espectro. Cuando los colores de diferentes longitudes de onda se mezclan, la vibración resultante se hace compleja, y el color, es de un aspecto más desvaído . Cuando más semejantes las longitudes de onda que se mezclan, tanto más saturada será la mezcla. El mínimo de saturación de obtiene con colores que dan como resultado un gris acromático. Los colores que producen este efecto se conocen con el nombre de complementarios.
El grado de saturación obtenible varía con el valor de claridad del color. La impureza acentúa la cualidad de temperatura que establece el tinte modificante, haciendo que un color cálidos sea aún más cálido y uno frío, más frío. Colores fríos:Se los considera por asociación con el agua al azul, violeta y verdoso. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El clima influye mucho en el gusto por los colores. Las personas que viven en países cálidos y de mucho sol prefieren, los colores cálidos, mientras que aquellas otras que viven en latitudes frías y de poco sol muestran su gusto por los colores fríos.
El verde, mezcla de amarillo y azul, se aproximaría más al frío, mientras que las combinaciones del rojo con el azul para dar el púrpura, y con el amarillo, para dar el anaranjado , tenderían a la neutralidad o a la ambigüedad. Parece que el equilibrio entre dos colores que integran una mezcla es sumamente inestable. Puede hacerse fácilmente que uno de ellos predominan sobre el otro.
El observador puede ver en un naranja (anaranjado), un rojo modificado por un amarillo o un amarillo modificado por un rojo. En la primera versión el color resultara frío, en la segunda, cálido. El fenómeno de la asimilación y el contraste, hará que uno de los colores adquiera relieve a expensas del otro. De este modo la inestabilidad de la mezcla se reduce grandemente y por lo tanto su "temperatura" puede definirse con más seguridad. No es tanto el tinte dominante el que produce la cualidad expresiva, como sus aflicciones.
Tal vez los tintes básicos constituyen valores bastante neutros, que se distinguen más bien por su carácter de singularidad y de reciprocidad que por su expresión específica. Y sólo cuando el color produce una atención dinámica al inclinarse hacia el otro color, revela sus características expresivas.
La saturación o croma se refiere a la pureza de un color. Un color complementariamente puro sería producido sólo por una longitud de onda lumínica. Esta condición se advierte más de cerca en los tintes saturados del espectro. Cuando los colores de diferentes longitudes de onda se mezclan, la vibración resultante se hace compleja, y el color, es de un aspecto más desvaído . Cuando más semejantes las longitudes de onda que se mezclan, tanto más saturada será la mezcla. El mínimo de saturación de obtiene con colores que dan como resultado un gris acromático. Los colores que producen este efecto se conocen con el nombre de complementarios.
El grado de saturación obtenible varía con el valor de claridad del color. La impureza acentúa la cualidad de temperatura que establece el tinte modificante, haciendo que un color cálidos sea aún más cálido y uno frío, más frío. Colores fríos:Se los considera por asociación con el agua al azul, violeta y verdoso. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El clima influye mucho en el gusto por los colores. Las personas que viven en países cálidos y de mucho sol prefieren, los colores cálidos, mientras que aquellas otras que viven en latitudes frías y de poco sol muestran su gusto por los colores fríos.
viernes, 7 de agosto de 2009
Las paredes hablan.
Sea con graffitis, stickers o stencils, cada vez son más los jóvenes platenses que se vuelcan al arte callejero para plasmar sobre un muro su ideología o apenas una idea única y fugaz.
Muros, paredes o tapiales. Cualquiera de esos espacios puede ser el lugar ideal para un sinfín de pintadas que pueden ser ilegales pero que, en muchos casos, también son verdaderas obras de arte. El "street art" o arte de la calle, o simplemente graffiti o stencil -según cómo se aplique_, no es más que una serie de intervenciones pintadas sobre muros públicos que irrumpen en el espacio de la ciudad con una ideología que muchas veces ronda el humor, la ironía o la denuncia.
"Es una forma de ver e interpretar el mundo", define Matías Salguero, un grafitero de 24 años que, bajo el seudónimo callejero de "Saw", está por estos días terminando su licenciatura en Artes Plásticas en la facultad de Bellas Artes de la UNLP. Su primer graffiti lo diseñó a fines de 2004 en la esquina de diagonal 79 y 119. Era una palabra que el tiempo y los afiches políticos se encargaron de borrar, pero fue el comienzo para una pasión que no descansa casi nunca.
"Todo el tiempo estás mirando paredes en blanco para hacer algo -confiesa-. Yo dibujo desde que tengo uso de razón. Al principio empecé dibujando palabras pero luego cambié el estilo haciendo letras más pictóricas. Siempre trabajo con aerosol y pido permiso al dueño para hacer el graffiti. Aunque claro, a veces no todos los vecinos están enterados que uno pidió autorización y terminan llamando a la policía para que deje de pintar".
En un principio, cuenta el propio Matías, el graffiti surgió a mediados de los sesenta en Nueva York como una forma de protesta social o comunitaria y acaso como canal visible de la rebeldía juvenil de aquellos años. Hoy la cosa cambió. Estos murales, graffitis, tags o stencils que están apareciendo en las calles platenses responden a otras necesidades, no ya de reclamo, sino sobre todo de expresión personal o grupal.
Incluso no sólo las paredes son el espacio elegido por estos artistas urbanos para plasmar su obra. Muchas veces utilizan vagones viejos o inutilizados, algo que de alguna manera responde también a la influencia norteamericana, donde en los 60 y 70 ciertos guetos y ciudadanos marginales se reunían en los terrenos aledaños a las estaciones de subtes y trenes de ciudades como Chicago o Nueva York para hacer sus pintadas.
"En nuestra cultura se avanzó mucho sobre el arte callejero pero todavía falta mucho desarrollo -reconoce Matías-. Todavía no estamos a la altura de ciudades como Nueva York o Madrid, donde al arte urbano se le da una importancia mucho mayor".
En el universo de las pintadas hay para todos los gustos. Se puede ver a la cara de Carlos Gardel y la leyenda "No me lloren, crezcan", la cara del gatito de Hello Kitty con el saludo "Hello Kirchner" o la cara del presidente George Bush con orejas de Mickey Mouse y la inscripción "Disney War". También una leyenda que durante muchos años decoró la pared de 9 entre 47 y 48 pero que ya el tiempo la borró. La frase era corta pero repleta de ironía y lucidez. Simplemente decía: "No ubo error".
Un graffiti se apropia del museo.
La serie Guerrilla de la Comunicación del joven artista FLIX salió de su escenario natural, la calle y luego de una diatriba interna de su autor entró directamente en otros espacios: el Salón Supercable Jóvenes con FIA. Y no sólo irrumpió en un espacio que podría considerarse ajeno al grafiti sino que se alzó con el Primer Premio en esta edición número 12 en la que la premisa fue "En la vía".El jurado -conformado por Lucía Cerboni, Lorena González y Félix Suazo- coincidió en darle el premio por el empleo acertado de medios y estrategias del arte urbano "en propuestas irreverentes que no sólo cuestionan los lugares tradicionales de la producción y exhibición del arte, sino que se constituyen como una pertinente crítica del curso actual de nuestra realidad política y social".
El estudiante de arquitectura y artista, cuya identidad se oculta bajo el seudónimo FLIX, reconoce que tuvo dudas acerca de si su trabajo debía salir de su espacio natural para participar en el salón. Pero un importante detalle lo convenció: la curiosidad de ver las reacciones de la gente frente a esa imagen de un joven (hecho en stencil) "vomitando" páginas de periódicos.
Una imagen que alude a la crítica y a la reflexión sobre el papel de los medios que están polarizados y cómo eso influye en la transmisión de la información. "También traduce gráficamente el exceso de información que consumimos y que a veces no es digerible", añade.
Esa misma obra estuvo en algún muro de Caracas por espacio de tres semanas, hace unos siete meses. Desapareció, como es natural en este tipo de manifestaciones. Aunque ahora, su trabajo abandonará su carácter efímero para para entrar en las páginas de la historia del arte. Con ello derrumbará, de paso, algunos prejuicios en torno a esta forma de expresión plástica.
Pero su obejetivo no ha sido ese. Ni antes ni ahora que ganó el primer premio. Su norte es que el mensaje llegue a muchas personas y para ello, reconoce, el escenario perfecto es la calle y el mejor soporte las paredes de la ciudad.
Para el curador de este Salón, Gerardo Zavarce las intervenciones urbanas de FLIX reivindican el espacio público como lienzo: "Es una propuesta para reflexionar sobre los estereotipos estéticos, políticos o sociales de la actualidad".
El segundo premio lo obtuvo la artista venezolana Suwon Lee con las obras Oasis (Ojo de Agua), El muerto tiene doliente y Rigor Mortis (2009). El veredicto fue "hacer evidente en distintos soportes y a través de una incisiva factura poética, los difíciles lugares del desvanecimiento y la muerte en una sociedad acostumbrada al abandono y a la indiferencia".
El tercer premio lo ganó el video artista mexicano Miguel Rodríguez Sepúlveda con Emergencia (2007), con una obra que reúne performance, pintura y video. Con ella cuestiona los modelos de control del orden religioso, moral y político de nuestras sociedades.
Amada Granado y José del Pozo recibieron menciones de honor; y el video de Jackson Gutiérrez tuvo un reconocimiento especial.
El Salón Supercable Jóvenes con FIA, XII Edición, exhibe las propuestas artísticas de 24 creadores venezolanos y extranjeros que se expresan a través de los más diversos formatos: la instalación sonora, la fotografía experimental, el fotoperiodismo y el videoarte.
La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de septiembre, en el Centro Cultural Corp Banca de La Castellana.
sábado, 25 de julio de 2009
Una familia hecha de hielo sorprende a las personas que pasean por la plaza de Felipe II en Madrid
Una familia tomando el sol, con la particularidad de que sus miembros son de hielo, sorprendió a los madrileños que pasearon en el día de hoy por la plaza de Felipe II.
Allí se encontraban, bajo un sol de justicia, con la clásica estampa de una familia de veraneantes en la playa, recreada a tamaño real, pero de hielo. Los escultores internacionales Luis Mataix y Ándrés Raya han estado desde primera hora de la mañana retocando cada detalle de estas cuatro esculturas.
La iniciativa partió de la Agrupación de Hosteleros de Benidorm. Bajo el lema '¿Te derrites en Madrid?' apuestan por potenciar el turismo en sus costas. El lema fue de lo más apropiado ya que las estatuas, como no podía ser de otra forma, acabaron derritiéndose y convirtiéndose en charcos de agua.
Para la elaboración de las esculturas de hielo primero se congelaron durante dos días los bloques de hielo. Pasado ese tiempo, y durante tres días, se procedió a la talla de cada bloque y se le fue dando forma a cada una de las esculturas.
La temperatura ideal de trabajo para esculpir las esculturas era de 8 grados bajo cero. Posteriormente se metieron en cámaras donde permanecieron hasta ser expuestas en la Plaza Felipe II de Madrid. Alrededor de las estatuas, se han repartido helados de hielo para todos aquellos que se acercaron a disfrutar de la estampa.
Allí se encontraban, bajo un sol de justicia, con la clásica estampa de una familia de veraneantes en la playa, recreada a tamaño real, pero de hielo. Los escultores internacionales Luis Mataix y Ándrés Raya han estado desde primera hora de la mañana retocando cada detalle de estas cuatro esculturas.
La iniciativa partió de la Agrupación de Hosteleros de Benidorm. Bajo el lema '¿Te derrites en Madrid?' apuestan por potenciar el turismo en sus costas. El lema fue de lo más apropiado ya que las estatuas, como no podía ser de otra forma, acabaron derritiéndose y convirtiéndose en charcos de agua.
Para la elaboración de las esculturas de hielo primero se congelaron durante dos días los bloques de hielo. Pasado ese tiempo, y durante tres días, se procedió a la talla de cada bloque y se le fue dando forma a cada una de las esculturas.
La temperatura ideal de trabajo para esculpir las esculturas era de 8 grados bajo cero. Posteriormente se metieron en cámaras donde permanecieron hasta ser expuestas en la Plaza Felipe II de Madrid. Alrededor de las estatuas, se han repartido helados de hielo para todos aquellos que se acercaron a disfrutar de la estampa.
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